日本の現代アートシーンをリードする国内トップクラスのギャラリー5社（Taka Ishii Gallery、小山登美夫ギャラリー、rin art association、MAKI Gallery、Art Office Shiobara）が拠点を構え、白井屋ホテルと並んで〈アートの街・前橋〉を象徴するアートコンプレックスとなった平田晃久の名建築「まえばしガレリア」。
「MAEBASHI ART GROUND」は、まえばしガレリアに参画している5社にYutaka Kikutake GalleryとKOTARO NUKAGAが加わった7つのギャラリーが、前橋国際芸術祭2026の開催テーマ「めぶく。Where good things grow.」にあわせて、それぞれに注目する気鋭のアーティストを紹介するグループショウです。開催を通して〈アートが育つ街〉のプラットフォーム化を推進するとともに、ギャラリストの視点から次世代のアーティストをいちはやく紹介するショーケースとしても機能することを目指します。

参加ギャラリー：Taka Ishii Gallery、小山登美夫ギャラリー、rin art association、MAKI Gallery、Art Office Shiobara、Yutaka Kikutake Gallery、KOTARO NUKAGA
出展作家：アレクサ・クミコ・ハタナカ、尾花賢一＋石倉敏明、大野陽生、白籏花呼、斉藤七海、和田咲良、薄久保香、木々津鏡、鍵岡リグレ アンヌ、藤倉朱里

Five of Japan’s leading contemporary art galleries—Taka Ishii Gallery, Tomio Koyama Gallery, rin art association, MAKI Gallery, and Art Office Shiobara—have set up bases within Maebashi Galleria, the acclaimed building designed by Akihisa Hirata. Together with Shiroiya Hotel, the art complex has become a symbol of Maebashi as a “City of Art.” In line with the festival’s theme of “Mebuku.Where good things grow,” the five Galleria-based galleries, together with Yutaka Kikutake Gallery and KOTARO NUKAGA, have collaborated to present MAEBASHI ART GROUND, a group exhibition introducing up-and-coming artists. The aim of this project is to advance Maebashi as a platform where art is nurtured, and to function as a showcase that facilitates the introduction of next-generation artists based on the perspective of gallerists.
Participating Galleries: Taka Ishii Gallery, Tomio Koyama Gallery, rin art association, MAKI Gallery, Art Office Shiobara, Yutaka Kikutake Gallery, KOTARO NUKAGA
Participating Artists: Alexa Kumiko Hatanaka, Kenichi Obana + Toshiaki Ishikura, Haruki Ohno, Kako Shirahata, Nanami Saito, Sakura Wada, Kaoru Usukubo, Kagami Kigitsu, Anne Kagioka Rigoulet, Shuri Fujikura

｜Talk Event｜

MAEBASHI ART GROUND オープニングトーク
「前橋と函館｜アートと歩む、２つの故郷」 TERU × 塩原将志 × 宮本武典

MAEBASHI ART GROUND Opening Talk
“Maebashi and Hakodate | Two Hometowns Walking Hand in Hand with Art”
TERU × Masashi Shiobara × Takenori Miyamoto

「まえばしガレリア」に拠点を構える国内トップギャラリー7社が、それぞれ注目のアーティストを紹介する合同展「MAEBASHI ART GROUND」。オープニングのスペシャルトークに、前橋市出身のアートディーラー・塩原将志氏と、ミュージシャンのTERU氏をお迎えします。ロックバンドGLAYのボーカルとして知られるTERUさんは、近年アート活動に力を入れており、この夏、故郷函館に恩返しようと回遊型アート展「HAKODATE ART EXHIBITION 2026 Vol.3 “旧市街”」をプロデュースしました。若手アーティストの支援も積極的に行っているTERUさん。芸術祭の構想もあるそうで、本企画は前橋と函館という、遠く離れたそれぞれの故郷への想いをアートで結ぶクロストークとなります。

“MAEBASHI ART GROUND” is a joint exhibition featuring seven of Japan’s leading galleries based at “Maebashi Galleria,” each introducing an artist of note. For the special opening talk, we are pleased to welcome art dealer Masashi Shiobara, a native of Maebashi, and musician TERU. Known as the lead vocalist of the rock band GLAY, TERU has been actively pursuing artistic endeavors in recent years. This summer, in an effort to give back to his hometown of Hakodate, he produced the traveling art exhibition “HAKODATE ART EXHIBITION 2026 Vol. 3 ‘Old Town.’” TERU is also actively supporting young artists. He reportedly has plans for an art festival, and this event will serve as a cross-talk connecting his feelings for his two distant hometowns—Maebashi and Hakodate—through art.

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｜Artist Profile｜

大野陽生
Haruki Ohno

大野陽生／1992年埼玉県生まれ、現在東京都を拠点に活動。2017年に武蔵野美術大学大学院修士課程造形研究科美術専攻彫刻コースを修了。主な個展として、「サーブ」富士見台トンネル（東京、2023年）、「石工的」WALLA（東京、2022年）、横浜市民ギャラリーあざみ野 （神奈川、2020年）、「NEIGHBOR」代田橋納戸 / gallery DEN5（東京、2018年）、「HOAX」東京造形大学 mime（2017年）など。主なグループ展に、「Figround — 図と地」Tokyo International Gallery（東京、2026年）、「群馬青年ビエンナーレ2025」群馬県立近代美術館（2025年）、「MIMOCA EYE 2022」猪熊弦一郎現代美術館（香川、2022年）、「助教・助手展2021 武蔵野美術大学 助教・助手研究発表」武蔵野美術大学 美術館（東京、2021年）、金沢彫刻祭2019「別人」芸宿（石川、2019年）、「彫刻と対話法Ⅱ ＜作家＞から見た世界」府中市美術館 市民ギャラリー（東京、2016年）など。

Haruki Ohno／Born in Saitama Prefecture in 1992. He completed his Master’s Degree Program in Sculpture, Graduate School of Art and Design, Musashino Art University in 2017. He is currently based in Tokyo. Ohno’s solo exhibitions include “Serve”, Fujimidai Tunnel, Tokyo (2023); “Stonemason-like”, WALLA, Tokyo (2022); Yokohama Civic Art Gallery Azamino, Kanagawa (2020); “NEIGHBOR”, Daitabashi Nando / gallery DEN5, Tokyo (2018); and “HOAX”, Tokyo Zokei University mime (2017). He has participated in group exhibitions including “Figround”, Tokyo International Gallery (2026); “Gunma Biennale for Young Artists 2025”, The Museum of Modern Art, Gunma (2025); “MIMOCA EYE 2022”, Marugame Genichiro-Inokuma Museum of Contemporary Art, Kagawa (2022); “Exhibition 2021 Research Associates and Research Assistants”, Musashino Art University Museum, Tokyo (2021); Kanazawa Sculpture Festival 2019 “Betsujin”, Ge-Shuku, Ishikawa (2019); and “Sculpture and Dialogue Method II: The World from the Artists’ Perspective”; Fuchu Art Museum Citizen Gallery, Tokyo (2016).

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白簱花呼
Kako Shirahata

すぐじだいがへんこうするからね（Times change so quickly, you know）, 2026, Oil on canvas, 91×73 cm　©︎Kako Shirahata, Courtesy of the artist and Yutaka Kikutake Gallery, Photo by Aoto Tokui

白簱花呼／白簱花呼は2002年大阪府生まれ。現在は滋賀を拠点に活動。近年の主な展覧会に、「私 呼吸し　さめざめないてみる」(Yutaka Kikutake Gallery、2026年)、「Re; Archive」(Mikke Gallery、2025年)、「もっとパッションを」(Yutaka Kikutake Gallery、2025年)、「Skeptically Curious：価値の変成をめぐる複数の試み」（みずほ銀行京都支店、2025年）、「The CAPS – Contemporary Art Practice展」（高島屋大阪店、2025年）、「鬼頭健吾推薦作家展『Floor』」（西武百貨店渋谷支店オルタナティブスペース、東京、2024年）、「Pleiades Edition1」（ギャラリーa、京都、2023年）など。2026年にARTISTS’ FAIR KYOTO マイナビ ART AWARD 優秀賞、2025年度京都芸術大学 大学院修了展 大学院賞、2023年度京都芸術大学卒業展優秀賞、第44回国際滝冨士美術賞優秀賞を受賞。

Kako Shirahata (b. 2002, Osaka) is currently based in Shiga. Recent major exhibitions include Breathing, trying to weep (Yutaka Kikutake Gallery, 2026), Re; Archive (Mikke Gallery, 2025), More Passion! (Yutaka Kikutake Gallery, 2025), Skeptically Curious: Multiple Approaches to the Transformation of Value(Mizuho Bank Kyoto Branch, 2025), CAPS: Contemporary Art Practice | Studio—CAPS 2025 (Osaka Takashimaya, 2025), Floor—An exhibition of artists recommended by Kengo Kito (Seibu Shibuya Alternative Space, Tokyo, 2024), and Pleiades Edition 1(Gallery a, Kyoto, 2023). Major awards include the Mynavi ART AWARDfor Excellence at Artists’ Fair Kyoto 2026, the Kyoto University of the Arts Degree Show 2025 Graduate School Award, the Kyoto University of the Arts Degree Show 2023 Excellence Award, and the 44th International TAKIFUJI Art Award Prize for Excellence.

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斉藤七海
Nanami Saito

Bottie, 2025、GrazedCeramic, 28×27×21cm, ©︎Nanami Saito, Courtesy of the artist and Yutaka Kikutake Gallery, Photo by Osamu Sakamoto

斉藤七海／斉藤七海は1996年大阪府生まれ、現在は東京を拠点に活動。主な展覧会に「Good bye!」（Yutaka Kikutake Gallery、2026年）、「神戸六甲ミーツ・アート」(神戸、2026年)、「もっとパッションを」（Yutaka Kikutake Gallery、2025年）、Liste Art Fair Basel 2025 (Yutaka Kikutake Galleryより出展、スイス、2025年)、「Little voices」(biscuit gallery、東京、2025年)「ささめきあまき万象の森」（Yutaka Kikutake Gallery、2024年）、「pneuma -息衝く-」（クマ財団ギャラリー、東京、2023年）、「間」（kokyu kyoto、京都、2022年）など。

Nanami Saito／Nanami Saito was born in Osaka in 1996, and currently lives and works in Tokyo. Her major exhibitions include Good bye! (Yutaka Kikutake Gallery, 2026), KOBE ROKKO MEETS ART (Kobe, 2026), Liste Art Fair Basel 2025((Yutaka Kikutake Gallery, Basel, 2025), MA (kokyu kyoto, 2022), Whispers in the Wholeness (Yutaka Kikutake Gallery, 2024), PNEUMA (Kuma Gallery, Tokyo, 2023).

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和田咲良
Sakura Wada

Untitled, 2026, Oil on canvas, 45.5× 33.5×5.2 cm, © Sakura Wada, Courtesy of Tomio Koyama Gallery, Photo by Kenji Takahashi

和田咲良／1999年神奈川県生まれ。2024年東京造形大学造形学部美術学科絵画専攻領域卒業。現在、神奈川県相模原市を拠点に制作活動を行う。絵画を基軸に、生活に馴染みのある布や刺繍などを用いながら、インスタレーション、映像、パフォーマンスなど多様な表現を展開。他者との関係の均衡性やパワーバランスへの関心から、絵画に足をつけて自立させたり、表裏両面に描いたりすることで、見る人と作品が相互に関わり合い、能動的で多面的な鑑賞を促す独創性を生み出している。2024年「ART AWARD TOKYO MARUNOUCHI 2024」藪前知子賞、小山登美夫賞を受賞。主な個展に「□︎□」（アートかビーフンか白厨、東京、2026年）、「　）（　」（小山登美夫ギャラリー天王洲、東京、2025年）など。

Sakura Wada／Born in 1999 in Kanagawa, Japan. Wada graduated from Tokyo Zokei University in 2024 and is currently based in Sagamihara, Kanagawa Prefecture. Rooted in painting, her practice incorporates familiar materials such as fabric and embroidery, extending into installation, video, performance, and other forms of expression. Interested in the equilibrium and power dynamics of human relationships, she creates paintings that stand on their own feet or are painted on both sides, inviting active and multifaceted engagement between the viewer and the work. In 2024, she received the Tomoko Yabumae Prize and the Tomio Koyama Prize at ART AWARD TOKYO MARUNOUCHI 2024. Her solo exhibitions include “□︎□” (Art or Beefun or Hakuchu, Tokyo, 2026) and “) (” (Tomio Koyama Gallery Tennoz, Tokyo, 2025).

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薄久保香
Kaoru Usukubo

Still Life with a Three-Color Flattened Vase, 2026, Oil on canvas, 80×80 cm
©︎Kaoru Usukubo, Courtesy of rin art association

薄久保香／薄久保香の制作における「径（こみち）」は、既知の意味や秩序から分かれ、いまだ知覚されていない関係を探る道筋です。偶然性や神秘性は、制作の意図そのものを変容させる契機となり、画面は構想の実現と、その問い直しが同時に起こる場となります。意図と偶然、可視と不可視の交差に生じる「第三の場」は、そのいずれか一方には還元できません。薄久保の「一つの点が、一本の線を伝いながら、まだ名づけられていない空間へとやってくる。」この言葉が示すように、描く行為は、あらかじめ定めた意味に形を与えることに尽きません。鑑賞者もまた、描かれたものをたどりながら、意味が生成する過程に立ち会います。「径」とは、その未決定性をたどる経験でもあります。

In Kaoru Usukubo’s practice, the “path” (komichi) branches away from established meanings and orders to explore relations not yet perceived. Chance and mystery become catalysts that transform artistic intention itself; the painting becomes a site where a vision is both realised and called into question. At the intersection of intention and chance, the visible and the invisible, a “third space” emerges, irreducible to either side of these pairings.
As Usukubo writes, “A single point follows a line, arriving in a space that has yet to be named.” Painting, in this sense, exceeds the act of giving form to a predetermined meaning. Viewers, too, as they trace what unfolds in the painting, witness meaning in the process of becoming. To follow this “path” is to enter an experience in which meaning remains open.

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木々津鏡
Kagami Kigitsu

Maze, 2026, Oil on canvas,60.6×50cm ©︎Kagami Kigitsu, Courtesy of rin art association

木々津鏡／2000年東京生まれ。見慣れた像が視点や配置のわずかな差によって別のものとして立ち現れる感覚や、認識の不確かさへの関心を出発点として油彩画を制作している。近年は自ら工房に通い、ガラスの立体作品にも取り組んでいる。反射や透過によって周囲の光や景色を取り込み、見る位置や環境によって像を絶えず変化させるガラスは、物質と像、身体と風景の境界を曖昧にする。そこでは連続する時間の流れの中で、これから訪れる出来事の気配を宿した一瞬が立ち現れる。絵画と立体、それぞれ異なる素材との関わりを通して、光や環境、時間の中で変化するものの見え方を探っている。

Kagami Kigitsu／Born in Tokyo in 2000, Kigitsu creates oil paintings driven by an interest in how familiar images can take on new appearances through subtle shifts in viewpoint and arrangement, as well as in the uncertainty of perception. In recent years, Kigitsu has also begun creating three-dimensional glass works, working in a glass studio.By reflecting and transmitting surrounding light and scenery, glass continuously transforms the images it produces according to the viewer’s position and environment, blurring the boundaries between matter and image, body and landscape. Within the continuous flow of time, a moment emerges that hints at events yet to unfold. Through working with different materials in painting and three-dimensional art, Kigitsu explores how the perception of things changes in relation to light, environment, and time.

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鍵岡リグレアンヌ
Anne Kagioka Rigoulet

Figure-P k-h-8, 2026, oil and mixed media on panel, 194.0×390.9 cm　©︎Anne Kagioka Rigoulet, Courtesy of MAKI Gallery

鍵岡リグレアンヌ／1987年神奈川県生まれの鍵岡リグレ アンヌは、東京藝術大学絵画科油彩専攻を卒業後、同大学大学院にて壁画を研究。その後フランスに渡りフランス国立高等工芸 美術学校にてフレスコ・モザイクの技術を学びました。鍵岡はグラフィートという 重ねた色層を削りとる古典的な壁画技法に布のコラージュを加え、そこに色層を重ねる独自のペインティング法を用いて立体感のある絵画を制作しています。日常にある抽象的な風景に関心がある鍵岡は、各地で取材した水面の反射をもとに、彫刻的な造形性をもつ「Reflection」シリーズを描き始め、その後「Reflection」から展開された水面に映る人物を抽象と具象の間で描写した「Figure」シリーズ等に発展させています。鍵岡の生み出す作品は、圧倒的かつ繊細な色彩で構成され、抽象と具象、平面と立体の合間を行き来し、絶え間ない変化と共に独自の世界観で観る者を魅了しています。

Anne Kagioka Rigoulet／Born in 1987 in Kanagawa, Japan, Anne Kagioka Rigoulet received a BFA in Oil Painting in 2011 followed by an MFA in Mural Painting in 2013 from the Tokyo University of the Arts. Kagioka went on to enroll in Fresco and Mosaic at the École Nationale Supérieure des Arts Appliqués et des Métiers d’Art in Paris. Kagioka’s distinctly textured paintings utilize a unique method that combines fabric collage with sgraffito (“to scratch” in Italian), a classic technique used in mural decor where multiple layers of paint are applied, then scraped away to reveal the colors underneath. The artist’s interest lies in capturing the ephemeral moment when a familiar landscape transforms into an abstract vision, she began her signature Reflection series—sculptural paintings based on studies of water reflections from around the world. This later led to her Figure series, which depicts human figures as their reflections are fragmented by wavering water surfaces.
Kagioka’s paintings, composed of striking yet delicate colors, vacillate between abstract and representational, two-dimensional and three-dimensional forms, all the while continuing to fascinate viewers with their keen aesthetic insight and endless evolution.

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アレクサ・クミコ・ハタナカ
Alexa Kumiko Hatanaka

“Spiral (Ruminate)”, Linocut and gyotaku printing, vintage washi from Kashiki seishi, konnyaku, 95×109” 241.3×276.9 cm, 2025　 ©︎Alexa Kumiko Hatanaka, Courtesy of KOTARO NUKAGA

アレクサ・クミコ・ハタナカ／1988年 カナダ トロント生まれ。アレクサ・クミコ・ハタナカは、日系カナダ人かつクィア・アーティストであり、双極性障害とともに生きる経験が作品制作の基盤となる。主に紙を用い、版画、インクドローイング、草木染めを縫製と組み合わせ、伝統的な紙の技法と素材を現代的に再解釈する。これらはハタナカの彫刻、大規模な版画インスタレーション、着用可能な彫刻立体作品として現れ、気候変動や精神的健康、生存といった問いに応答する。風景や魚、水域のモチーフは苦しみやしなやかさ、つながり、喜びを語る。ハタナカの実践には、10年にわたる極北でのコミュニティに根ざしたプロジェクトや、紙子（和紙で衣服を縫う慣習）を取り入れて再解釈する共同パフォーマンスが挙げられる。個人および共同制作の作品は、オンタリオ美術館、大英博物館、トロント・ビエンナーレなどで展示された。その他、コレクションとしてカナダ国立美術館（カナダ）、滋賀県立美術館（日本）、マテリアル・アート・アンド・デザイン博物館（アメリカ）に収蔵。

Alexa Kumiko Hatanaka（b. 1988 Toronto, Canada）is a Japanese-Canadian queer artist whose experience living with bipolar forms the foundation of her practice. Working primarily with paper, she combines printmaking, ink drawing, natural dyeing, and sewing to contemporize traditional paper techniques and materials. These take shape as sculpture, large-scale print installations, and wearable sculptures that respond to questions of climate change, mental health, and survival. Motifs of landscapes, fish, and bodies of water speak to experiences of struggle, resilience, connection, and joy. Hatanaka’s practice includes a decade of community-engaged projects based in the high Arctic, and collaborative performances that integrate and reinterpret kamiko, garments sewn out of washi（Japanese paper）. Her individual and collaborative works have been exhibited at the Art Gallery of Ontario, the British Museum, and the Toronto Biennial of Art. Her works are part of the permanent collections at The National Gallery of Canada, Canada; The Shiga Prefecture Museum, Japan; The Material Art and Design Museum, United States.

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藤倉朱里
Shuri Fujikura

Savior, 2026, Oil on canvas, 190×130 cm　©︎Shuri Fujikura, Courtesy of Art Office Shiobara

藤倉朱里／2003年、北海道今金町生まれ。函館を拠点に活動。絵画を中心に、デザインやデジタルイラストも手がける。希望と不安、無邪気さと違和感、現実と幻想が交差する現代の「今」を、鮮やかな色彩と身体性を帯びた筆触によって描き出す。音楽や美術、記憶、身体感覚から得た刺激を独自の視覚言語へと変換し、言葉になる以前の感情や揺らぎを画面に定着させる。生きることの矛盾や葛藤を抱えながら、それでも未来へ向かおうとする「生」の感覚を描き続けている。描くことで生きていくと決めた17歳の少女は描き続け、その歩みのなかで、絵は少しずつ変わり、彼女もまた、まだ見ぬ何かへと進み続けている。

Shuri Fujikura／Born in 2003 in Imakane, Hokkaido, currently based in Hakodate. Working primarily in painting, she also engages in design and digital illustration as extensions of her artistic practice.Through vivid color and dynamic brushwork, Fujikura captures the feeling of the present, where hope and anxiety, innocence and unease, reality and fantasy coexist and collide.Drawing from music, art, memory, and bodily sensation, she renders feelings before they become words, painting “living”—full of contradictions and struggles, yet still reaching toward the future.At seventeen, Fujikura decided to make painting her way of life and has painted ever since. As her work evolves, she continues toward something not yet known.

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尾花賢一＋石倉敏明
Kenichi Obana + Toshiaki Ishikura

Whoosh, 2026　©︎Kenichi Obana

尾花賢一＋石倉敏明／自然、地理、歴史、民俗を横断しながら対象地域を捉え直し、その場所に暮らす人々や、歴史に残らない小さな集団・個人の記憶をすくい取った物語をドローイングや彫刻を交えながら再構築している。主な活動として「ゴースト 見えないものが見えるとき」（2025, アーツ前橋）、「多摩川ジオントグラフィー」（2024, 調布市文化会館たづくり）、「鴻池朋子展 メディシン・インフラ」（2024, 青森県立美術館）、「表現の生態系」（2019, アーツ前橋）など。

Kenichi Obana + Toshiaki Ishikura／Traversing the natural environment, geography, history, and folklore of a region, this art unit reexamines the area and reconstructs the stories drawn from the memories of its residents and of small groups and individuals whose histories often go unrecorded, incorporating drawings and sculptural elements into this process. Their major projects include: Ghost: When the Invisible Becomes Visible (2025, Arts Maebashi); Tamagawa Geontography (2024, Chofu City Cultural Hall Tazukuri); Tomoko Konoike: Medicine Infrastructure (2024, Aomori Museum of Art); and Ecology of Expression (2019, Arts Maebashi).

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まえばしガレリア／群馬県前橋市に2023年5月オープンした、アートと生活が融合する複合施設まえばしガレリアは、平田晃久建築設計事務所が設計を手がけ、「一本の樹の下に人が集まるように」というコンセプトのもと、光と風が通り抜ける樹冠のような中庭を囲むように、ギャラリー、レストラン、住宅が配置されています。1階にはTaka Ishii Galleryや小山登美夫ギャラリーなど日本屈指のギャラリーが入居しており、白井屋ホテルに続き、前橋をアートの街として発展させるためのフラッグシップとして建設されました。

Maebashi Galleria opened in May 2023 as a mixed-use complex where art and daily life converge. Envisioned by the Architect Akihisa Hirata as a public square where people gather “under a single tree,” the Galleria comprises galleries, restaurants, and residences arranged around a canopy-like courtyard that allows light and breezes to pass through. The first floor houses some of Japan’s leading galleries, including Taka Ishii Gallery and Tomio Koyama Gallery. The complex follows the Shiroiya Hotel as a flagship project for the development of Maebashi as an art city.