手漉き和紙などの伝統的な素材を用いた作品で世界的な注目を集めているアレクサ・クミコ・ハタナカ。和紙を「第二の皮膚」のように扱い、染め・刷り・縫い・重ねるプロセスを通じて、メンタルヘルスと環境問題が交差する領域を探究しています。
《儚い》では、何百もの和紙の端切れから作られたハタナカ自身の身体のシルエットが、鯉のぼりとしての魚のモチーフ、地元の鮎の魚拓、そして鯉が100年かけて滝を登るという伝説への参照と交錯します。人物と魚には不思議な重みがあり、落下しているようでも、浮遊しているようでも、身を引いているようでも、身を委ねているようでもあります。ハタナカにとって、それらは孤独、切望、楽観、絶望といった、幾重にも重なる自身の経験の表現です。
ハタナカは前橋周辺の伝統的な手仕事の現場を訪ねました。桐生の手漉き和紙を、自身の紙、そして長年関係を築いてきた高知の鹿敷製紙の和紙と組み合わせて使用しています。また、織物の産地として知られる桐生の平賢が制作した鯉のぼりのプリントを作品に取り入れています。
古くから、子どもの健やかな成長を願って日本の青空に掲げられてきた鯉のぼりですが、現在では日本の深刻な少子化や海外製の安価な代替品によって目にする機会が減り、製造をやめる工房も増えています。これは資本主義のもとにある世界がもたらした結果であり、同時に、かつてないほどの孤独、不安、抑うつも生み出しています。本来は祝祭的なものである鯉のぼりも、いまや危機の象徴として捉えることができ、その姿は、むしろ戦争と結びついていた本来の由来（旗指物や軍旗）に近づいているともいえます。
鯉のぼりに表れる手仕事のゆっくりとした時間、ハタナカが用いる伝統的な制作工程、そして古くからの技術とそれを支える自然環境を継承する和紙職人たちの営みは、資本主義の前提となっている加速、個人主義、環境破壊、そして私たちの健康やコミュニティを蝕む力に対する抵抗とも見てとれます。
ハタナカの《儚い》は、世界への無常感を前に、先取りするように感じられるノスタルジアと、人とのつながりや共につくる時間を感謝とともに経験することの大切さを捉えています。
「同じように、苦しみの瞬間も永遠には続きません。工芸も永遠に同じ姿のままではなく、変化しながら生き続けることは、私たちを身体、自然、そして互いへとつなぎ、伝統を含む別の現実を想像し、ともにつくり出していくことの一部なのです」と彼女は語ります。
大空ではなく、美術館の吹き抜けに吊られた多彩な和紙の姿は、揺らめきながら、私たちの過去・現在・未来についてさまざまな問いを投げかけているのです。

Alexa Kumiko Hatanaka has gained international attention for works made with traditional materials such as hand-made washi. Treating washi as a “second skin,” she explores the space where mental health and environmental issues intersect through the processes of dyeing, printing, stitching, and layering.
In Ephemeral, the silhouette of her own body—constructed from hundreds of scraps of washi—intertwines with fish motifs in the form of carp streamers (koinobori), local ayu fish rubbings, and references to the legend of a carp that took over a hundred years to climb up a waterfall. The figures and fish are of mysterious weight: they seem to fall, float, withdraw and yield all at once. For Hatanaka, these forms express overlapping experiences of loneliness, longing, optimism, and despair.
During her stay, she visited traditional craft workshops around Maebashi. She combined hand-made washi from Kiryu with her own paper and with sheets produced by Kashiki Seishi (papermakers) in Kochi, with whom she has collaborated for many years. She also incorporated carp-streamer prints made by Hiraken, a Kiryu-based textile producer.
Carp streamers, waving in Japanese skies as symbols of children’s healthy growth, were once commonly seen, but are now less common due to declining birth rates and inexpensive imported alternatives. More workshops have stopped producing them. This shift reflects the pressures of a capitalist world that has also intensified loneliness, anxiety, and depression to an unprecedented degree. One might say a celebratory object has become a marker of crisis, one whose appearance has become closer to its historical origins as a military banner or battle flag linked to war.
The slowness inherent in the crafting of carp streamers, the traditional processes Hatanaka employs, and the work of washi artisans who sustain long-standing techniques and the natural environments that support them, can be seen as a form of resistance to the acceleration, individualism and environmental degradation that underpin capitalism, and the forces that erode our health and community.
Ephemeral captures a nostalgia that seems to anticipate the world’s impermanence, while also affirming the importance of experiencing our connections with others and the time we create things together, all with a sense of gratitude.
As Hatanaka says: “Moments of suffering do not last forever, and craft itself does not remain unchanged. The part that continues to live even while changing is what keeps us connected to our bodies, to nature, and to one another, allowing us to imagine and co-create alternative realities, including new forms of tradition.”
Suspended not in the open sky but in the museum’s atrium, the colorful pieces of washi paper flutter gently, posing various questions our past, present, and future.

人類学や民俗学的な視点を持ち、辺境から都市までを旅する写真家・石川直樹。2024年、14座の8000m峰すべてに写真家として登頂しました。 本芸術祭で石川は、日本人で初めてヒマラヤを撮影した写真家である長谷川傳次郎と、日本におけるスキーの草分け的存在であり、赤城山に暮らした猪谷六合雄の交友に着目。石川がカシミール、ナンガ・パルバット、赤城山などで撮影した写真を、二人にまつわる資料とともに展示します。1930年、千島で共同生活を送り、ヒマラヤ行きを夢見た二人。しかし、その計画は戦争によってついに叶うことはありませんでした。二人の「奇人」と石川のまなざしが交差する展示は、混迷を深める今、私たちにどのような「生きる力」を語りかけるでしょうか。

協力：志賀高原歴史記念館

Photographer Naoki Ishikawa, known as a photographer who travels to a vast range of locales that range from cities to remote landscapes with an anthropological and ethnographic perspective. In 2024, he became the first photographer to reach the summits of all fourteen of the world’s 8,000-meter peaks. For the biennale, he focuses on the friendship between Denjiro Hasegawa, the first Japanese photographer to document the Himalayas, and Rokuo Inugai, a pioneer of skiing in Japan who lived on Mount Akagi. It features photographs taken by Ishikawa in Kashmir, Nanga Parbat, Mount Akagi, and other locations, alongside archival materials related to the two men. In 1930, the two men lived together in the Kuril Islands and dreamed of traveling to the Himalayas, a plan that failed to materialize due to the war. In this exhibition, where the perspectives of two “eccentrics” intersect with Ishikawa’s own, what tales does it offer us about the power to perservere in our increasingly turbulent times?

Cooperation provided by: Shiga Kogen History Museum

フォールズは、主に屋外で制作を行い、そこで生まれる大気・植物・光・時間、そして自然の偶然性との緊密なコラボレーションを通じて、美学と環境を結びつける共生的なアプローチで知られるアーティストです。
本展の出展作《Bellows》は野外にキャンバスを敷いて制作された「写真と絵画のはざま」といえる作品です。1層目は夏のニューヨークでは珍しく雨が降ったため乾燥顔料が溶けてぼやけ、逆に降り止んだ2層目は植物のシルエットがシャープに定着したといいます。このように濃淡が異なる画面上のレイヤーが「多重露光」のように見えることから、大判アナログカメラの「蛇腹（Bellows）」と名付けられました。
《Eternal Return》は、ハドソンバレーで採集したシダ科の植物を用いて描かれています。人間の親子を想起させるシルエットは、長い茎は骨に、葉脈は血管のように配置され、自然と共に循環する作家自身の人生のステージや、死後（アフターライフ）における消滅と再生のイメージが暗示されています。

協⼒：小山登美夫ギャラリー

Falls is known mainly for his work that he creates outdoors, where he engages closely with the atmosphere, plants, light, time, and the contingencies of nature, forming a symbiotic approach that links aesthetics and environment. Created by laying a canvas outdoors, Bellows, a work featured in the exhibition, might be described as existing “in the space between photography and painting.” In the first layer, a rare summer rain in New York dissolved and blurred dry pigments. In the second layer, after the rain had stopped, plant silhouettes were sharply fixed. Because the different densities of the layers resemble multiple exposures, the work was titled Bellows, after the accordion-like structure of large-format cameras. Eternal Return uses ferns collected in the Hudson Valley. The silhouettes evoke a human parent and child, with the long stems arranged like bones and the leaf veins resembling blood vessels. The work suggests the stages of the artist’s own life as they cycle with nature, and images of disappearance and rebirth in the afterlife.

Cooperation provided by: Tomio Koyama Gallery

木材や建築廃材などを用いて、既存の都市空間や自然環境に適応・介入するサイトスペシフィックなインスタレーションで知られる川俣正。制作プロセスそのものを作品とする「ワークインプログレス」の代表的な作家であり、世界各地で芸術・建築・公共を問う野外プロジェクトを展開しています。街路樹などに設置する《Tree Hut》は、川俣が2007年にノルウェーで初めて制作し、その後も各都市で展開しているプロジェクト。前橋では前橋国際芸術祭のはじまりを記念するシンボルとして、アーツ前橋正面のケヤキに1基を現地制作した他、国道50号の公開空地（MAP-S）に市民と構想した2基を設置しました。

協⼒：株式会社アートフロントギャラリー、株式会社鈴木事務所

Tadashi Kawamata is known for his creation of in-situ installations that adapt to or intervene in existing urban spaces and natural environments using untreated wood and construction waste. As a leading proponent of the “work-in-progress” movement in which the creative process itself is treated as art, he has developed outdoor initiatives around the world that explore the intersections of art, architecture, and the public sphere. His project to install “tree huts” in urban trees and other locales was first launched in Norway in 2007 and has since expanded to other cities around the world. To mark the holding of Maebashi’s first biennale, one tree hut was locally crafted and installed in the zelkova tree in front of Arts Maebashi, and two others, jointly conceived with local residents, were installed in public open spaces (MAP-S) along National Route 50.

Cooperation provided by: Art Front Gallery Co.,Ltd., Yusuke Suzuki Design Office Inc.

2008年にファッション界を退き、アーティストに転⾝したマルジェラは、⼈間の⾝体や痕跡・時間・不在といった主題を軸に表現活動を継続しており、そのアートワークは⽇常の中で⾒過ごされがちな物や状況への鋭い観察から⽣まれ、平凡なものを⾮凡なものへと転化させる⼒を持っています。
本作《PODIUM》とは、「演壇（ステージ）」や「表彰台」を意味します。ここでも平坦な構造物が人工毛で覆われ、本来の意味や機能が転換・変容させられ、まったく別の官能性を生み出しています。
衣服であれアートであれ、マルジェラのクリエーションは、目に見える「表層」とその「内側」にある本質との関係性を鑑賞者に問いかけます。
演壇のカモフラージュを美術館に置いたマルタン・マルジェラ。スフィンクスのように鎮座する《PODIUM》から、私たちはどのような問いを受け取るでしょうか。

協力：rin art association、エドストロームオフィス、Gallery Nao Masaki、Bernier / Eliades Gallery

Margiela, who retired from the world of fashion in 2008 to become an artist, continues his creative practice centered on themes such as the human body, traces, time, and absence. His artwork arises from keen observations of objects and situations often overlooked in daily life and possesses the power to transform the ordinary into the extraordinary.
PODIUM refers to a stage or lecturn. Here, a flat structure is covered with synthetic hair, altering and displacing its original meaning and function to produce a different sensuality.
Whether in clothing or art, Margiela’s creations prompt viewers to consider the relationship between visible surfaces and the essence beneath them. Placed in the museum, this camouflaged podium sits like a sphinx. What questions does it pose to us?

Cooperation provided by: rin art association; Edström Office; Gallery Nao Masaki; Bernier/Eliades Gallery